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El clásico de ciencia ficción de James Cameron de 1991, Terminator 2: El Día del Juicio, cuenta con una de las visiones más aterradoras de Los Ángeles jamás llevadas al cine. Mientras Sarah Connor (Linda Hamilton) observa un parque infantil desde detrás de una valla de eslabones, una explosión nuclear arrasa el centro de la ciudad y arrasa con todo lo que encuentra a su paso: rascacielos, coches, niños, gimnasios de la selva. Salen volando, en palabras inmortales de Sarah, “como hojas”. Nuestra ciudad natal se transforma en un infierno.

Por supuesto, todo fue un terrible sueño. Al final de la película, Sarah, John y el T-800 rehabilitado de Arnold Schwarzenegger han evitado el espectro del Juicio Final (al menos hasta las secuelas). Pero en el proceso de salvar el mundo, se abren paso a través de una amplia franja del sur del país, desde Santa Mónica hasta Fontana. Naturalmente, el T-1000, que cambia de forma, no se queda atrás.

Con el reestreno de T2 en 3D en los cines este fin de semana, hemos hablado con el director de localizaciones Jim Morris sobre las distintas localizaciones de la película en el sur de California. Después de leerlo, también puedes consultar nuestro mapa de localizaciones de la primera Terminator aquí.

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La película fue un éxito comercial y de crítica abrumador. Recibió elogios generalizados, con la crítica alabando su historia, actuaciones, dirección y la unión de drama y comedia, a pesar de algunas críticas por utilizar el tema con fines cómicos. La película recaudó más de 230 millones de dólares en todo el mundo, incluidos 57,6 millones en Estados Unidos, convirtiéndose en la segunda película en lengua extranjera más taquillera de Estados Unidos (después de Tigre y Dragón)[4] y en una de las películas en lengua no inglesa más taquilleras de todos los tiempos[5] El National Board of Review la incluyó entre las cinco mejores películas extranjeras de 1998[6].

La película ganó el Gran Premio en el Festival de Cannes de 1998, nueve premios David di Donatello (incluido el de mejor película), cinco premios Nastro d’Argento en Italia, dos premios de cine europeo y tres premios de la Academia, incluido el de mejor película en lengua extranjera y el de mejor actor para Benigni, el primero para una interpretación masculina no inglesa[7].

Sus amigos le desaconsejaron hacer la película, ya que es un cómico y no es judío, y el Holocausto no interesaba a su público establecido[13] Como es gentil, Benigni consultó con el Centro de Documentación del Judaísmo Contemporáneo, con sede en Milán, a lo largo de la producción[14] Benigni incorporó inexactitudes históricas para distinguir su historia del verdadero Holocausto, sobre el que dijo que sólo los documentales en los que se entrevistara a los supervivientes podrían ofrecer “la verdad”[12].

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Miércoles Addams (Chloe Grace Moretz) comienza a alejarse de su familia, de izquierda a derecha, Morticia (Charlize Theron), Gómez (Oscar Isaac) y Pugsley (Javon Walton) en “La familia Addams 2”. (Metro Goldwyn Mayer Pictures )

9:05 a.m. 1 de octubre de 2021Una versión anterior de esta reseña afirmaba incorrectamente que “La familia Addams 2” tenía cinco guionistas. La película tiene cuatro escritores acreditados: Dan Hernández, Benji Samit, Ben Queen y Susanna Fogel.

Mientras la familia visita las cataratas del Niágara, Sleepy Hollow, Miami Beach, el Álamo y el Gran Cañón, es una oportunidad para que el miércoles se plantee lo que significa ser un Addams. Pero la estructura de la trama parece una oportunidad para una serie de sketches chapuceros con referencias a otras películas como “Carrie”, “Top Gun” y “La gran aventura de Pee-wee”, además de, por supuesto, muchos momentos aleatorios y montajes ambientados con melodías pop. Cuando Miércoles utiliza un muñeco de vudú para hacer marionetas con el pobre Pugsley (Javon Walton) al ritmo de “Jump Around” de House of Pain, los primeros compases de la canción harán que cualquier millennial o Gen-Xer de edad avanzada regrese a un bar de mala muerte empapado de cerveza, y ese cebo de nostalgia parece la única razón de ser de esa secuencia. Los chistes que parecían frescos en la primera película resultan rancios aquí, y los giros de la historia resultan claramente predecibles. La película cuenta con cuatro guionistas diferentes y uno no puede evitar preguntarse si se trata de un caso de demasiados cocineros en la cocina. La película podría ser divertida para un público muy joven, pero, por desgracia, no es lo suficientemente espeluznante como para hacer las delicias del pequeño sabueso del terror en su vida.Katie Walsh es crítica de cine del Tribune News Service.

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La opinión generalizada es que Federico Fellini se equivocó cuando abandonó el realismo por la fantasía personal; que a partir de “La Dolce Vita” (1959), su obra se desbocó por selvas de imágenes freudianas, cristianas, sexuales y autobiográficas. La precisa observación de “La Strada” (1954) fue el punto álgido de su carrera, según esta opinión, y entonces abandonó sus raíces neorrealistas. “La Dolce Vita” ya era bastante mala, “8 1/2” (1963) era peor, y para cuando hizo “Julieta de los espíritus” (1965), estaba completamente descarrilado. A partir de ahí todo es cuesta abajo, en una carrera que duró hasta 1987, excepto “Amarcord” (1974), con sus recuerdos de la infancia de Fellini; esa es tan encantadora que hay que ceder y disfrutarla, independientemente de la teoría.

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